再論體驗設計

體驗設計的目的是甚麼? 技術性導致的進步，其結果無可避免地是物質利益的壟斷。解構物性技術、重新構築人性意義，能夠使利益與意義之間達到新的平衡；使壟斷與人文價值之間重新取得對話，那大概就是體驗設計的終極意義所在。

形隨印象、形隨本真、形隨嚮往

一切意欲解構「形隨機能」的後現代嘗試注定虛無，機能誤將自己置於使用之前或之上、吸引造形者目光，而使物之形態站立在人性的對立面。故「形隨機能」於其原初本無任何積極建樹，雖demoncratic，實質上卻也只是一種破壞力。後現代的嘗試不知尋根，只能解剖物之脈絡紋理，自然，在破壞力之中，後現代只挖掘出了虛無與死寂。

形如何跟隨? 若非先有人、先有人那「無法言喻」的體驗，則形態從無被創制的需要。在幽深黑夜、玄秘星辰、破曉幻化、磅礡大海、悠然青山流水之間、人心悸動之下，才有了形態之創作，此即「印象」。

人之創作緊繫內心，在追尋遙遠難及、如曇花一現的生命感動中，形態創作步步為營地尋找事物的「本真」。這本雖不可能之事，但形態之物卻從其物質、從其巧妙的構思中得到感動人的第二種能量。

物質與人之巧思從此經常被錯誤地視為是形態的本源，而形隨機能也只是從錯誤的面相解決前者之問題。

實際上，型態創作之具有震攝力，只是偶然的結果。真心從事形態創作的創作者，深知內心印象與事物本真才是應當嚴肅面對的問題，而所謂原創，也只是誠心面對此者而已。形應該何去何從? 回歸最初，它也只隨人之「嚮往」。

給二十五歲的自己的一封信

瑋麒，

我將近十二年的旅途將告一段落，一路上獲得許多，但也有太多不足之處。為此，寫了這封信給你，希望當你走上我的旅途後，可以獲得更多。

所有的旅程都同時伴隨著晨朝的清新與寒夜的孤寂，它引領你的雙眼看向別人看不見的世界，但也必定要你跋涉、要你迷途。旅程上，奇幻小說中的那些珍奇異寶隨處可見、不足為奇，但是如果你沒有望向它們，那它們也就只不過是路邊的石頭而已。不過，如果你戰戰兢兢檢視路邊的每顆石頭，那麼你就失去了大步向前的活力。因此你要鍛鍊你的眼力，同時，也鍛鍊你的腳力。旅途中的見聞吸引著旁人的欣羨的眼光，然而你會發現，那些你在旅途中發現的真正寶物，旁人卻興致缺缺。你要為自己而踏上旅程，因為旅途中所消耗的光陰與生命是你自己的。

其實，旅程只有在起步時才感覺起來像是旅程，其後，旅程也只不過是你的日常而已。因此，追求新奇的事物沒有任何意義。你真正要追尋的，是看懂日常的各種不同面貌。希望你能盡早理解這個問題，那麼你才真正意義地踏上了旅程中的旅程。

在異域的旅程裡，你要特別珍惜朋友，珍惜善待你的人，並毫無保留地表達你心中的感激之意。這說著簡單其實很困難，友情需要你經營維繫，你要能夠將心比心，而為此，你得付出心力去理解人、得要下很大的功夫學習語言，不要為自己語言學習上的挫折找任何藉口；語言就像是一把劍，在戰場上為自己磨不利的劍找藉口是沒有任何意義的。在異域的旅程裡，你偶爾也會遇見不友善的人，他們可能會嘲笑著摔倒在地的你，此時你要學會勇敢，趕緊爬起來繼續前進便是。因為嘲弄者往往自己摔倒後，第一件想做的事不是起身前進，而是慌慌張張地張望四周，忙著掩飾自己。不要害怕經常摔倒，但這不是叫你習慣摔倒，只有漫不經心的人才會摔倒成習慣，你要學會的，是重新站起來的能力。此外，希望你能盡早學會成熟地處事，我覺得成熟是一種態度，你不能總是像孩童一樣、期待透過敞開自己來換得他人的信任，要贏得他人信任的方法，只能透過自己穩健的作為、還有作為的品質。這不是要你世故，而是教你如何保護自己。

珍惜你可以專注一件事的時光，你在專注中完成的每件事，盡管未臻完美，但已必然遠遠超過一般水平。我理解在這個充滿遊戲性的世界裡，遊戲也是一種生活的體驗。然而，遊戲性的事物如果分散了你的專注力，那便得不償失。此外，珍惜你的閒暇時光，你會發現，在生命中最重要的書，不是在書桌前、或圖書館裡，而是在每日的交通車上、或是枕邊讀完的。只有當你內心閒逸時，你的靈魂才開始真正地探索。珍惜你愉悅的時光，隨著歲月增長，這樣的時光越來越得之不易，當你能夠分享、或是能夠得到別人的分享時，記得不要退縮、不要懶惰，積極去爭取每個能讓你快樂的時間。還有，珍惜你所能完成的每件作品，人生並非無限的，你所能完成的作品數量也是，記得這一點，如此你才能在每件作品上投入最多的心力。

你要學會學習的方法，掌握根本性的知識非常重要，設計本質上是一門跨領域的、整合型的學科，當你接觸新的技術時，除了掌握技術本身之外，還要盡快掌握技術背後的、根本性的基本能力。能夠整合新技術的人相當多，但這些跨領域的設計發展都會很快地遇到瓶頸，原因是跨領域的同時，人們沒有能夠掌握各領域中的根本能力，導致「創意」這樣的東西變得相當膚淺。那些能夠在跨領域中走得很遠的人，都是擅長打基本功的人，他們起初看起來並不像你一樣出色，但是卻能走得很遠，當你發現他們超過你時，其實他們已經打下你遠遠趕不上的基本功夫了。因此，學習是必須是為了自己，而非為了迅速得到成績，必須不疾不徐、按部就班地學會每件你應該要會的事情。你還要學會善用資源，德國的人口是台灣的四倍、國家是台灣的十倍大、歐洲的人口甚至是台灣的270倍多，在這樣的地方處處都是絕頂聰明的人。因此，你不要耗費心力在泛泛地展現自己，反而要去接觸各種才氣洋溢的人，從他們身上體驗你未曾見識過的才能、學到你不曾想過的學習方法。你越早理解這些，也就能學會越多。

你也要學會接受自己的極限，在你所選擇的旅程中，你面對的難題都是嚴苛的戰場，而戰場上一定有勝敗。有些時候，無論你付出了多少心力，你還是得接受最後失敗的結局。這固然是挫折，你也要再接再厲，但你不可以死纏爛打，不應該把失敗的結果加油添醋變成是看似成功的。人的瓶頸與極限往往需要時間，當時機成熟、你也準備就緒時，瓶頸便能突破，但是你若虛耗光陰掩飾自己、不願承認失敗，那麼你就扼殺了自己進步的可能。

作為一個走過旅程的人，我心中其實仍滿滿地有許多困惑，我感受不到完成一件作品時的那種狂喜與成就 (這也讓合作時的德國夥伴們十分困惑)、我不知道如何才能保持體面冷靜地表達自己而不至於失禮、我更不知道人類在這個浮躁時代的出路為何、不知道堅持自己心中的價值是否真的具有意義... 或許你可以走出一條更加穩健的旅程，找到這些種種問題的答案。

最後，你選擇了一條漫長的路、一條德國的路。你當慶幸，因為你正處於德國精神最末年代中，那種精神如同世界其他也正在消逝的種種精神一樣，未來都難以找尋。但你也要小心，不要輕易迷信德國精神，尤其是戰後的德國理性。德國理性的成功，原因是它掌握了可靠的知識、能讓你分辨知識的真偽與層次、讓你做事情事半功倍。然而德國理性的失敗，則是因為它始終逃避誠懇的內省 ─ 人心中的搖擺不定在德國理性面前是一種懦弱與怠惰。然而，在這點上不要輕易向德國理性妥協，因為，搖擺不定才是人心不願隨意膚淺地評價世界的表現，才有真正的積極意義。

「預祝」你旅途平安順利，並常懷正面積極的心!

好的設計之於人，如水之於魚、光之於草木、羽翅之於鳥。

譯文《平凡設計》

平凡的設計
Das gewöhnliche Design
Friedrich Friedl & Gerd Ohlhauser
1979

譯文《不可見的設計》

這是一篇由奧地利社會學、經濟學家Lucius Burckhardt (1925-2003)於1981年為《不可見的設計》一書所寫的文章，這篇文章寫成於35年前，但其內容所論述的問題，幾乎完全符合今日現況，而且論述見識深刻，值得一讀。這篇文章在2004年又被Fezer與Schmitz編入的新書《誰策劃規劃？建築、政策與人(Wer plant die Plannung? Architektur, Politik und Mensch)》之中，可見其影響之深遠。唯獨原文為艱澀的德文，多為東方所不知。在此翻譯此文章，希望能對台灣未來的設計之路有所啟發。

歐洲長笛設計的歷史與轉折

長笛的演進有四個重要階段。

關於「背後」

我雖然不是窮學生，但也不是好野人。
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記得以前想學音樂，跑去拜師，但是學費真的很貴，硬著頭皮跟老師商量，讓我隔週上一次課 (也就是每隔一週他就會少掉一個鐘點費)，很幸運地還是有很棒的老師願意收我。
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大學修了好幾門在游泳池上的體育課，大四時正好修了潛水課，學期末大家一窩蜂開開心心跑去考潛水執照，但是因為手上的錢得要做畢業設計、只好放棄。
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有時候做設計需要使用一些控制板，剛開始還沒有中國的盜版品時，每一塊板子對我來說都是奢侈品，然而不管怎麼樣小心使用，當上帝說它得被燒壞的時候，也只能眼睜睜地看著它的LED燈忽地一閃，燒盡它最後的生命，然後聞著傳來的焦臭味發呆。又能如何？只能繼續找新版子來做。
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我的欲望很大，尤其是在樂器上。想要有一把長笛可以吹奏，又不願意買不堪使用的便宜貨。最後買了一把稍微好一點的廢鐵回來自己修，覺得修好了就請音樂學院的學生幫我檢查，檢查完再修，修到音樂系的學生覺得好用為止。
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當遇到難解的問題時，有些時候，我們可以找到兩全其美的方法，有些時候，我們必須捨棄一些東西，又有些時候，我們只能咬著牙撐著，更有些時候，我們只能自己從零開始。沒有絕對的對錯、也沒有必然的面對方法，是挑戰? 是捨棄? 或是逃避? 沒有任何他人可以在這點上做出評斷，一切的「背後」都只是自己面對的自己而已，再無其它。




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關於設計展云云，如找不到設計展的意義，那不管是哪個學校、在哪裡展，都是同樣無用。如果心中有了方向，那麼不管別人如何煽動、或是指責，都不應影響自己的努力。謾罵與猜忌都只使人遠離自我，不會得到任何意義，應引以為鑑。

《給馬理尤斯‧德‧則亞斯的公開信》畢卡索 (1923) 中譯

Pablo Picasso "STATEMENT TO MARIUS DE ZAYAS," 1923.

中譯：

我無法理解何以研究(research)在現代藝術被賦予如此重要的意義。在我看來，尋找(search)在藝術中毫無意義。發現(find)才是重點。沒有人會對一個整天只盯著地板看能否幸運地撿到錢包的人感興趣。但一個人如果發現了一個東西，無論它可能是甚麼，或甚至這個人的目的不是為了找它，那就算這個人不能贏得我們的敬意，但總是會引起我們的好奇心。

我被指控的諸多罪名中，沒有一項比這更錯誤的，那就是認定我的作品中有著研究精神 (the spirit of research)。當我作畫時，我的對象是展現我所已經找到的而不是我還在尋找的。在藝術中，光是意圖 (intentions) 是不夠的，就像我們在西班牙常說：愛不是靠理由、而是靠行動來證明的。重要的是人做了甚麼，而非他意圖去做甚麼。

我們都知道藝術非是真相 (truth)。藝術是一種謊言，它讓我們了解真相，或至少給了我們一個去了解的真相。藝術家必須知道如何透過謊言的真實性來說服他人。如果他只是在作品中表現他已經尋找過的(searched)、以及研究過的 (re-searched)，以表現他的謊言，那麼他必然一事無成。

研究(research)的概念經常讓藝術誤入歧途，也讓藝術家迷失在精神修練之中。這很可能已經是現代藝術的原則上錯誤。研究的精神已經毒害了那些還未全面了解現代藝術中正面與重要要素的藝術家，並驅使他們去畫那些不可見的 (invisible) 與其實不可繪的 (unpaintable)。

他們常將自然主義 (naturalism) 對反於現代繪畫。我很想知道，究竟誰看過藝術的自然作品 (a nature work of art)。自然與藝術，本為兩種，不可能是同一事物。我們透過藝術表現的，是我們心中而非自然所有的概念。

維拉斯奎茲 (Velazquez) 遺留給我們的是他在那個時代對於人的概念。無可置疑地這些人並不是如其所繪的樣子，但除了維拉斯奎茲的繪畫外，我們沒有其他的方式可以想像菲利浦四世的樣貌。魯本斯 (Rubens) 也為這位國王畫了頭像，但魯本斯繪的頭像看起來卻完全是另一個人。我們選擇了相信維拉斯奎茲，因為他以他有效的權力說服了我們。

從那些作品很明顯就與自然完全不同的原創性、原始性的畫家，到如大衛 (David) 、安格爾 (Ingres) 乃至於到布格羅 (Bouguereau) 這些認為將自然如其所是地畫出的畫家們，藝術永遠都是藝術而非是自然。從此觀點看來，藝術中並不存在所謂具體或是抽象的形式，而只有其謊言較有或較無說服力的形式。那些對我們心中的自我重要的謊言超越一切懷疑，因為透過它，我們塑造了看待世界的美感。

立體派 (Cubism) 與其他學派的繪畫並無任何區別。同樣的原則、同樣的元素在它們中都是普遍的。關於立體派在長時間中沒有人能夠理解，甚至沒有人沒能夠看出當中的一點端倪，這不代表甚麼。我不會英文，英文書對我來說就像無字天書。但這並不說明英語並不存在，有甚麼道理我應該去責備任何人而不是我自己，因為我無法看懂那些我看不懂的？

我也經常聽到演化 (evolution) 這個詞。不斷地有人要求我去解釋繪畫的演進。對我來說，藝術沒有過去也沒有未來。如果一個藝術作品無法永遠在當下存活，那它一定不需要被列入考慮。那些古希臘的、古埃及的、以及其他偉大的畫家活在其它的時代裡，但他們的作品永遠不屬於過去的，甚至可能在現代比在過去還要更有生命力 (more alive)。藝術自身不會演化，改變的是人的概念與表達的方式。當我聽到人講起關於一個藝術家的演化時，那聽起來就像是他們在這個藝術家前後面對面地各放了一面鏡子，映照出無限的影像，然後他們將其中一面鏡子裡連續的影像當成過去來沉思，又沉思另一面鏡子中的影像當成他的未來，卻完全無視於兩面鏡子之間、當下的他本人。他們無法理解這許多的鏡像是同一個影像在不同平面上的呈現。

變化 (variation) 並不意味著演化。如果一個藝術家改變了他的表達方式，那只表示了他改變了他的想法 (manner of thinking)，而在變化中，結果可能變好，也可能變差。

我在繪畫中所使用了許多手法並不能視為是一種演化，或是一種追求未知繪畫概念的過程。我所做過的一切都只是為了當下，並且希望它永遠被保留在當下。當我發現一個想要表達的東西時，我不會去想關於過去或是未來的問題。我不認為我在不同的手法中使用了本質上不同的元素。如果一個我想要表達的主題是需要我以不同的手法去表現的，我會毫不猶豫地採用。我從不會去做嘗試或實驗。當我有想要說的話時，我會用我感覺到它應該被陳述的手法來說話。不同的動機 (motives) 需要不同的表現方法。這與演化或進程無關，而與人所採取來表達的概念和表達概念的方式有關。

過渡的藝術 (arts of transition) 並不存在。在藝術的時間歷史中，有些時期較其它時期更為正面、更為完整。這表示某些時期的藝術家比其他時期的更好。如果藝術的歷史可以用地圖方式來呈現，就像一個護士用來標示病患體溫變化的紀錄一樣，那麼看起來會像山脈剪影一樣，並證明藝術非是上升的趨勢，而是在任何時期中都有升有降。這在同一個藝術家身上也是一樣的。

許多人以為立體派是一種過渡藝術，一種將導出某種未知結果的實驗。有這樣想法的人並沒有理解立體派。立體派既非一種種子、也非是一種胚胎，而是一種主要在處理形 (forms) 的藝術，而當一個形被理解了，形即在彼而獨立存在 (it is there to live its own life)。如一個礦物質，有其自身的幾何形態 (geometric formation)，不是為了某種轉變的目的而存在，它只是保持其所是，且永遠保持其形體 (form)。但如果我們要將演化與轉變 (transformation) 的概念放到藝術中，那我們必須承認所有的藝術都是暫時的 (transitory)。如此，則藝術反而不屬於哲學上的絕對論 (philosophic absolutisms)。若立體派是一個過渡藝術，那麼我確定它所帶來的，只是另一種型態的立體派。

數學、三角學、化學、精神分析、音樂與其他種種，都被牽扯上立體派來給予它一個較簡易的詮釋。這些全部只是純文字，不能說是無意義，至少它們成功地用理論蒙蔽了人的眼睛。

立體派保持在它自身的限度與繪畫的侷限之中，從未嘗試去超越此。在立體派中所理解與實作的手繪 (drawing)、設計、顏色，其精神與手法也被在所有其它學派中理解與實作。我們的主題可能有所不同，因為我們所繪畫的對象與型態在從前是被忽視的。我們只是保持雙眼還有頭腦明白雪亮來看待周遭。

我們竭盡我們所能見到的，來賦予形和色彩以其獨自特有的意義 (significance)；在我們的主題中，我們保持著發現 (discovery) 的樂趣、對不期而遇的愉悅；我們的主題本身必然是一個興趣的來源。但是要透過它來說明我們在做甚麼，而讓每個看到它的人，只要他想，都能看得明白，那有何意義呢？


'Picasso Speaks,' The Arts, New York, May 1923, pp. 315-26; reprinted in Alfred Barr: Picasso, New York 1946, pp. 270-1. retrived from http://www.learn.columbia.edu/monographs/picmon/pdf/art_hum_reading_49.pdf 2017/4/20.
翻譯：簡瑋麒  2017/4/20 夜 於Essen

我談Maker現象

Maker從當代字面意義而言，指的是非營利性地從事新創用品開發的人，尤其是科技用品。之所以稱之為用品而非產品，是因為它並不以工業量產為訴求。現今maker熱潮追求的，是從這樣的創作過程中找到產品在創新市場上的突破。然而我卻認為，maker所揭示的是另一種未來器物生產的模式。

從工業量產與創新策略來看maker是很弔詭的。今日的商業經營策略在創新開發上，早已是一種專利戰。要維繫真正的創新，需要的不是創意與技術，而是一系列的專利佈局，而這種布局策略在消費性經濟與商業競爭下，卻是在抑制真正的創新。因為真正的創新必然從體制之外興起而孤立，這種孤立面對企業規模與專利戰時，只有被收購或被強奪的命運。

Maker現象對我而言，所代表的是對專利戰的抗爭。市場經濟與專利策略無所不在地控制產品開發，而它們藐視人性需求的結果，就是個人在非營利性的環境下，獨立於消費性經濟之外去製作符合人性需求的器物。換句話說，maker是一種對今日專利制度與其所導致的無意義消費的強烈抗議。從這maker現象看來，在未來兩百年之內，專利制度必然面對變革。否則人類淪為專利制度下的奴隸，或者專利將被取消而還自由於人性。

若人類有其幸運，那麼未來的科技用品將不再以量產為其必須，盡管今日許多人仍質疑3D列印等少量加工的經濟效益，然而這種結論只是來自傳統專利經濟的視角。未來的產品應當更像一種工藝品，由於maker無所不在，且對於工具的掌握也越加成熟，每一件單件創作都將能夠成熟到超越量產產品的品質。在這樣的情況下，今日所謂的專利將不再適用。就算存在有智能生產能夠多樣性生產，如工業4.0這樣的概念，但若它不跳脫消費性經濟思維，那麼仍然將在專利一關受到極大限制。

未來仍然會存在有工業量產，然而工業量產只是如今日的農業一般，是為了提供民生必需與零件原料而存在。未來也仍然會存在有設計師，但是設計師的教育與訓練中，將必須學習與今日完全不同的工學與商學，工學中將更看重應用知識而非學理知識，商學則更看重新創經營而非新創品牌。這並不會太過嚴峻，因為maker的知識也將會成為普通教育的一部分。而未來專利一詞恐怕也將重新定義，重大的發明不再是為了專利而浮濫地發明，而會變得更為精略簡約，唯有重要的事物被新創才會被視為是一種發明，其餘的都早被無所不在的maker嘗試過，而無從談其原創性。人類的消費行為也會改變，當人能夠自行製作時，就如同今日的餐飲業一般，熟稔烹飪的人必然對外食有更高的要求。只是外食的料理只是一次性，器物則因為它的持續性而不同，人類將更傾向自己製作而非選擇量產產品。

IoT 與 UX

這是回覆一個大學部學生的email，他因為要做畢業設計，問我對於IoT對產品設計、使用性、使用者體驗之影響的看法。我把回信內容翻譯成中文如下：

IoT und UX

Es geht um einen Brief. Ich schreibe an einem Student, der sich mit IoT für seine Bachelorarbeit beschäftigt und über meine Meinung befragt. Ich kopiere diese Email hier, denn sie präsentiert meine grundsätzliche Gedanke über IoT.

五個歐洲耶誕市集的體驗

關於101的耶誕市集，聽到許多負面的評價。我沒有親身經歷，但從它的服務方式、網友所分享的影片、照片等看來，我質疑的問題是：「101的耶誕市集滿滿地看到所謂的『獲利模式』考量，然而，人的幸福(well-being)模式呢？」談幸福(well-being)或許太過，然而服務/產品的經營，如果一點都不考量這點，那又從何談長期經營的模式問題？於此，雖號稱邀請法國XXX來台主辦，但我只看到了小木屋，以及很粗糙的經營手法。心中不忍，才有了這篇關於五個歐洲耶誕市集體驗的文章，應該可以當成一種「產品規格」來看待本文吧。

片段 - 田野

微風吹不散正午稻田間的熱氣，綠黃相錯的土地在烈陽之下散發的濃濃清草味，讓我想起老家的中藥舖。田埂的那方，穿著白色連身裙的女孩手扶著頭上的大斗笠靜靜站著。偶爾，陣風吹過，女孩的裙擺和著金黃稻穗一起飄動，而穗子發出簌簌的聲音，隨風消逝在遠方細細的蟬鳴裡。

女孩向我招手，蹲下身。待我走近，女孩正將一縷稻穗捧在手中，抬頭對我說道:「我們在辦公室裡、工廠裡、商店裡整天忙碌，到底，我們有多少把握知道自己為人群做了些什麼嗎?」

「我不曉得。」

「我也不知道。但耕耘這片稻田的人，他肯定很清楚實在地知道，這片田裡生產出來的每一顆稻米，都是人們需要的。他不需要做什麼市場調查、不需要什麼數據分析。他吃著自己種出來的米飯，理解每個人對米飯的需求。」

我點點頭。

女孩說:「我們要怎麼樣做，才能使我們的工作有相同的充實感呢?」

我抬頭望向這片金黃，濃濃的草根味直鑽進我髮膚最細微處。想起昨夜款待我們的老夫婦，他們或許不曾意識到自己的勞動是如此的充實，或者更應該說，他們恐怕無法想像都市生活中，人的生活是如此的不安。

我說道:「我們都走的太快，稻穗尚未成熟便急著收割，那是因為我們不安。為了求得心安，我們沒日夜地勞動，然而，我們始終沒有機會好好地站在那片田裡觀看自己的作物。」

以喜 以憂

才回台台灣一週，跑了創客社團的分享活動還有兩個大學的教授辦公室拜訪。有趣的是，在創客社團中，面對許多對於生產製成方面經驗豐富的老行家，大家都覺得我是一個從事研究的學者、設計師。在學校裡，面對善於思辨後現代問題的教授，大家覺得我偏向善於實務的創客。

自從念博士以來，我所有的技術與知識都只來自於自學，不懂的，只能在網路上到處問人、找資料。來自兩方面不同的期待，也給予了我在設計的道路上更多自我充實的提示。記得大學時在一家從事PU工材料的實業公司實習，公司裡就我一個設計師，老闆經常在國外看東西，有時候有些想法便會帶回來給我想創新產品開發。從當時起，我就深刻體會到從公司的潛力技術來開發產品是多麼困難的一件事，也深刻理解設計師自身的能力是多麼的受限。而多少也是因為這種困擾，而激發我去德國看看工業設計究竟是甚麼樣的角度在面對這個問題。這次回到台灣遇到不少產業界的強者，又把我拉回到當年的難題之中，雖然同樣的課題依然讓我感到十分困難，甚至多了一道對於產品品質的內在期許，但是心中已不再只是當年的那種跼促感，而更多的是挑戰性，腦袋一轉便停不下來。希望將來也能夠慢慢地接觸更多台灣中小企業的生產力，能夠從當中激盪出一些火花。

消失的反思研究

我蒐集了將近三十年內所有關於反思reflection與實作practice之間問題的文章，訝異的是，在上個世紀末，關於此類的文章多如牛毛。大多關於醫療照顧與教育理論，但也發現有特別針對設計而寫的。我原本百思不得其解，為何如此重要的問題在近年反而都沒有被討論？

原來，在上個世紀所談論的反思，都只是專業領域以內的實作者對其專業領域的反思，看護人員反思其看護訓練、老師反思其教育理論、設計師反思其設計技術。而這類的反思最終都難再有新的討論，原因很簡單：一領域內透過反思固然可以發現知識的漏洞，看似有契機以新的學問填補，但是，只就一領域內的知識與方法要填補自身的漏洞，這顯然徒勞無功。是以，此類的反思在各領域中都只曇花一現，討論完之後，便難再有所精進。

真正的反思，必須跳出領域之外才有其可能。若人不改變各種視角來檢視對象，那麼，專業知識之中的盲點永遠只是被專業的偏見扭曲，這個問題已經被這個時代的人看出來，因此而有「交叉學科interdiscipline(或稱跨領域)」的概念。但現在這個時代中的交叉學科卻又偏離其原本反思的初衷，而迷戀那眼花撩亂的「別人的領域」，從此，對於反思的研究便消失了。

雜筆創新

不知不覺間，我的「文獻資料庫」已經有超過兩千五百篇論文或文獻。記得有次去成大分享，老師問道：「設計師如果先看到了那麼多的設計，會不會做不出新的構想呢？」當然答案是肯定的。但是我卻認為，與其自己耗費那麼多時間做別人做過的事情，不如花時間去看別人是怎麼做的。這並非說實踐是不重要的，而是說，如果已經知道實踐有知識可循，那就不應土法煉鋼、閉門造車。

很遺憾的，在這個全球化的時代裡，許多事情被迫創新。甚至只重視創新的活動本身，而忽略實際上是否創新的結果。嚴格來說這並不是一件好事，除了財力與人力的浪費以外，人在被驅使的創新中，往往很少去認真檢視已經存在於現實中的事物。創新更給予腐敗的企業或制度一個拒絕改變的藉口，並藉著假的創新包裝陳腐的錯誤。許多事情的改善，其實只需要對現有事物做出少許的變動，就可以有很好的效果，而這些改善往往都因利益的短視而被刻意忽略。

Ben-Shahar在哈佛公開課的講課中有過這麼一個疑惑：「我們應該認真研究那些成功的人、從那些成功的人身上學習 [...] 我不知道在座各位的感覺如何，但我每次講課講到這邊時，我的心理其實都不太舒服。」Ben-Shahar的不愉悅感其實很容易理解，所謂「向那些成功的人學習」觸碰到了人類心靈中那自我的否定的陰影，透過模仿別人的成功來改變自己，就好像模仿別人的設計來做自己的設計一樣，是自我價值的貶低。佛洛伊德的心理模型很好地解釋這個現象，他認為人類心理是一種抗拒機制，人類的「自我」，是抗拒著外界事物對心理的直接傷害而出現的。刻意抗拒此自然的抗拒機制，人類的心理當然不舒服，事實上，也是不可能的。

盡管「自我」是一種對世界的抗拒，但人類心靈卻能自我反思、能對這些抗拒活動有認知能力。只是，自我反思必須走出自我的否定，而朝向重新肯定前進，如此才真正是人類的理性，即尼采所說「自由的靈魂」。學習因此不可以、也不可能是從模仿一對象而來，人也無法透過學習去從事創新。人類若真能夠學習，那只可能是在提升理性的能力上言。

強迫創新的時代中，在諸多別人已經完成的事物面前如何成就自我？答案只能是努力且廣泛地面對事實中的一切、面對別人已經有的成就、面對知識，當中自然能深切反觀自己，深切反省自己的短視近利。在幽谷之中直見自我的方向、直見人類存在的價值與去留為何，然後在邁步向前時，也就沒有創不創新的問題了，舉手投足間都充滿新鮮氣息。

Harmonetta 1

 

Harmonetta 是德國音樂教育家Herold在1958年為口風琴公司Hohner設計的獨特樂器。傳統口風琴雖然可以演奏旋律與和弦，但是和弦變化卻受簧片安排而限制。Herold因此特別設計了這一只Harmonetta，並為它特別設計了一套按鍵排列，其按鍵設計的素求是「讓盲眼的人也可以演奏」，我覺得是難得樂器與設計結合的典型範例。它的按鍵看似雜亂無章，然而依照音程不同，按鍵的相對位置都是同樣的，有非常合理的規律可循。又因為它為了方便演奏和弦，所以六角形的按鍵與六角形如蜂巢的陣列，讓使用者可以一個點上以一隻手指同時按相鄰的三個按鍵，正好為一個三和弦。如果取排列為正三角形的三個鍵，則為小三和弦 (如圖紅色三角形)，若取排列為倒三角的三個鍵，則為大三和弦(如圖綠色三角形)。由於這些交點間距小，為了讓人易於用手指辨識，透過按鍵的造型，每大三和弦的交點必然凹陷，小三和弦則為凸起 (如圖紅色與綠色圓點處)。

 整個Harmonetta共32個按鍵，因為每個音都有2-3個重覆的按鍵，同一個音既可以用右手也可以用左手按，方便演奏之間的轉換。它足足有三個八度的音域⋯⋯，不同音域並非以按鍵來區別，而是從吹奏的位置(如口風琴一樣)，如手都同按C鍵，從左側吹得到低音，中間為中音，右側為高音C，又如同樣按一大三C和弦，透過吹奏的位置改變，就可以吹出C和弦的不同轉位。

然而，Harmonetta也說明一個很重要的設計問題，即便它做到了口風琴所不能完成的任務，人因上也提出了非常優秀的解答，這個樂器卻是一個絕版品，只有少數口風琴家可以演奏，市面上也只流傳收藏品 (我手上這只樂器性能絕佳，按鍵與簧片都極其靈敏，意者私詢)。我想，這Harmonetta已經完全自成一套體系，無論演奏技術與樂器都是。在這樣的狀況下，一個封閉體系的設計就算極其優異，也需要考慮與其他體系之間的競爭問題。換句話說，必須考慮音樂本身存在的樣貌。究竟這Harmonetta是為了哪種音樂演奏而設計? Herold作為一個音樂教育家雖然提出了一個絕佳的樂器設計，然而若無演奏者能從這樂器中創作出獨特的音樂，那麼，隨時間流逝，雖能成為經典，卻無法成為活著的設計。

原型製作

四年前做了一個節能路燈設計，讓路人夜裡去地點偏僻公車站的路上，仍能夠有些照明。當時第一次嘗試做了一個可以使用的功能模形。從那之後，我對以往製作精美造型模形的熱情就完全轉入到原型的製作上了。四年之間，原型的技術一部分靠著在網路上四處看論壇裡的文章，一部分在工廠、工作室(我家)裡一次又一次try & error，終於慢慢形成了自己的系統。

大多數人的原型製作，多只製作機能的部分，外觀完全只是裸露的各種零件或者方盒子，然而我卻固執地堅持身為設計師的原則，堅持要能把機能放到外觀同樣精美的模型中。我認為，對於使用來說，功能只是因使用而延伸者，而使用永遠脫離不了形體。

這樣的製作要求有非常高的難度，原本的造型模形只是在材料的表面進行表現，現在，材料不但要有表面處理、要能夠包覆功能零件，最困難的，是模型要能夠隨時被拆解，為了能持續地改善設計。

製作這種可拆解的模型需要非常精準的加工還有邏輯組織形體的能力。看似耗時，但當中的樂趣在於，若製作者真的完全掌握了形體邏輯，那麼製作之初雖然進度緩慢，但在不知不覺間，成品便完成了。初期的製作越是謹慎有條理，後期完成的速度就越快。這幾年的訓練下來，再回頭看傳統的造型模型，只覺得那是小菜一碟。

當然，形體不是只是邏輯的問題，對於形體的視覺美感才是設計師必須自我磨練的功課。但在原型裡，其訓練不但無減於視覺體驗，反而更將設計師引入到真正使用中的體驗整體。在真實的操作中，理解形體各個細節間的本末關係、輕重關係，造型從而能夠有所取捨，而不再只是堆砌。

後現代的存在與力量

最近和C聊到黑澤明還有台灣最近在展覽的草間彌生，又看到一連串htc的新聞與評論，有些感觸。

我認為，後現代所面對的最高問題是國際化 (globolization) 與個人價值之間的衝突。儘管在這個時代裡，透過發達如網路的資訊交流，人可以幾乎毫無限制地接觸一切知識。然而這項時代的優惠，卻伴隨著人被強制地與國際競爭的龐大代價。